Puro amor callejero

  

El arte no sólo es blanco o negro, el arte no sólo se esconde en galerías, el arte no se encierra en campos de concentración,    " EL ARTE TIENE  VIDA Y COLOR"

Alfonso Gómez Jiménez  


Desde siempre ha existido una corriente de creativos que vulneran las normas de la ley y el orden artístico y convencional, creando su propia galería callejera. Una galería que no entiende de espacios cerrados, y que se vale de cualquier elemento y espacio público para plasmar su arte.

Este street art tiene su apogeo en las calles, convirtiéndose en un arte público y callejero que desafía y se aleja de los convencionales espacios artísticos. El concepto, la belleza de la pieza en sí, y el lugar como la guinda del pastel,  constituyen los factores claves de este estilo artístico que crece fuera de las aulas.

Cualquier rincón de la metrópoli  se convierte  en un lienzo en blanco para estos creativos urbanos, un lugar donde plasmar de forma libre sus emociones y pensamientos,   reflejados a través del arte.

Conscientes de la gran demanda de obras  que la historia del street art está extendiendo  por diferentes  lugares del mundo, la marca de refrescos  energéticos Red Bull ha realizado un proyecto donde recoge todas las huellas de street art a nivel mundial, para mostrarlo al usuario. “Red Bull Street Art View” junto con la colaboración de google constituye una plataforma  que recoge los mejores dibujos urbanos de las calles.

Los visitantes de la página, a través de un mapa,   pueden localizar el origen  de procedencia de  las obras, además de  verlas gráficamente. Red Bull Street Art View  se ha consolidado como la mayor galería urbana online.

Un mapa mundial del street art

Pero también en la red encontramos otros proyectos menos ambiciosos pero que también constituyen un avance para ayudar a mostrar la calidad y demanda en este sector del arte.

Street Art MAP  es un mapa interactivo que busca documentar el arte urbano en Argentina, con el fin de crear el mejor archivo de street art del país. Este  proyecto se extiende únicamente en  Argentina, no obstante  sus creadores tienen pensado expandir la plataforma al resto de Latinoamérica.

“El proyecto surge a finales de 2009 en Collage Lab, un estudio de diseño y arte, con el fin de buscar una manera de registrar y dar a conocer todo el trabajo de cientos de artistas que trabajan en la calle”, destaca Ana María Fonseca, socia de Street Art Map - Collage Lab.

 Además del proyecto Map,  se valen de otros mecanismos para fomentar el arte urbano desde la página. Una parte importante de S.A.M es el blog  en el que diariamente incorporan contenido nuevo. Según Ana María, la mayoría de contenidos son de Latinoamerica y algunas cosas puntuales de España. También disponen de un formato de entrevistas para los artistas locales, cubrir  eventos relacionados con el tema y todo lo que sume para que la gente se inspire con el street art.

Localizador de  arte creativo en Argentina

Artistas bohemios plasman sus obran que serán representadas, como en el caso anterior, visualmente por mapas, encargados de hacer público este recorrido planetario de arte urbano. Sin embargo no todos son merecedores de alzarse con  el premio pulitzer en las artes callejeras.

Existen  ciudades punteras consideradas sedes urbanas del arte callejero. Estos lugares atraen tanto a visitantes como a nuevos creativos y expertos  de renombre que fusionan constantemente, creando y exponiendo  obras pioneras en esta técnica del colaje urbano

Si tenemos que destacar una escenografía de arte urbano, Nueva York prima gracias a su herencia en la representación del graffiti del metro de los años 1960 y 1970 y a su continuación con el legado de arte callejero,  al albergar lujosas zonas de arte como Soho, Chesea y el Lower East Side.

Sin embargo resulta contradictorio que Nueva York, una de las cunas del street art, esté siendo invadida desde hace ya unos años  por nuevas reformas parlamentarias que abogan por señalar a sangre fría con el dedo y tachar  este arte de delincuente.

Desde 2007 Graffiti Free NYC  ha incrementado significativamente la cantidad de lugares con graffitis limpiados, un proyecto encaminado a la limpieza de las calles, eliminando cualquier signo de expresión artística en las calles de la ciudad.

Tanto es así que el alcalde  de Nueva York, Bloomberg, presume de una ciudad donde las calles se desprenden del dibujo, mediante controles de limpieza.

En las declaraciones recogidas en NYC.gov, el alcalde Bloomberg,  tacha las pintadas urbanas como un problema pernicioso y generalizado de la calidad de vida.

Ante estas nuevas actuaciones encaminadas a reprimir el arte callejero, se alza la voz de artistas enfurecidos. Bansky, conocido creativo urbano por sus obras  satíricas sobre temas políticos, sociales y sobre el existencialismo, es el caso de un decidido artista que ataca con su trabajo  “ Exit through the giftshop”  ante  las  irregularidades hacia arte urbano.

                                                    Película documental dirigida por Bansky

Pero no  es necesario cruzar el charco para ver las sanciones y vejaciones hacia  las dotes creativas de este arte urbano, y es que en la capital de nuestro país se implanta desde hace  ya varios años una nueva ley estricta y severa que repercute directamente es el street art.

Así,  según el último  comunicado recogido el 05/07/2007 en la página oficial  de la Comunidad de Madrid referente al arte urbano , actualizada el 04/08/2011 y que permanece vigente hoy en día, el proyecto de ley prohíbe graffitis o pintadas en vía pública, monumentos, estatuas, arboleado o mobiliario urbano. Los ayuntamientos podrán ceder excepcionalmente espacios públicos para la realizar murales y graffitis de valor artístico, siempre que no perjudique al entorno urbano.

Muchas veces el propio artista es quién marca los límites de sus acciones, según Street Arte Ba, el primer  destino web de encuentro de los artistas callejeros de la ciudad de Buenos Aires. Por ello muchos creativos urbanos vandalizan el espacio público, otros en cambio no.

La ley también hace referencia a las sanciones por estos incumplimientos, donde las  infracciones podrán ser de hasta  6.000 euros de multa. En todo caso existe la posibilidad de que el detenido sustituya la denuncia por limpiar las pintadas de la vía pública. Además de las cuotas económicas, los detenidos también  podrán ser obligados a reparar los daños producidos por las pintadas urbanas.

Pero no sólo existen estas minas de tipo económico o silenciador hacia el street art, hay países que van más allá. Encontramos países donde plasmar un mensaje y unos ideales gráficamente  resulta una tarea complicada, por las propias trabas culturales del país.

Hay muchos países donde el street art está muy desarrollado pero es totalmente ilegal, y penalizado, y hay otros países donde el street art es más aceptado como una forma de arte que le aporta un valor a la ciudad y sus habitantes, ya que creemos que el color realmente puede cambiarte la vida.

“Viajar todos los días al trabajo en una ciudad gris y vacía puede deprimirte, cuando le alegras el viaje a esa persona para nosotros ya es todo. Es bonito saber que una pintada puede encender unos pensamientos positivos sobre la belleza de la vida, en cambio, las publicidades no dan nada, solo te comen la cabeza con sus mensajes aterrorizantemente tontos hacia el consumismo”, declara Street Arte Ba.

De esto pueden hablar ICY AND SOT,  creativos callejeros  que día a día hacen un arte más arriesgado.  ICY and SOT  se han convertido en los embajadores  del street art de la calles de los países de Irán principalmente.

                                           Ruta por el street art en  Irán, por Icy and Sot,

“En Irán es como una broma. Si se habla de arte callejero, incluso para la gente común lo primero que vendrá a su mente es el riesgo que estamos tomando en nuestro trabajo”, declara ICY and SOT.

Estos dos hermanos son artistas pertenecientes a la  plantilla de Tabriz – Irán. Durante años han realizado un trabajo de creación callejera  exponiendo obras que hablan de paz,  guerra, amor, odio,  esperanza,  desesperación,  niños,  derechos humanos y  cultura iraní. 

“No todas nuestras obras tienen un mensaje original de paz, cada una de ellas tiene su propio mensaje individual.  Pero existe una especie de  estilo armonioso en cada dibujo, que refleja una sensación de paz”, afirma ICY and SOT.

Arte urbano de Icy and Soc  plasmado en las calles de Theran y Tabriz (Irán) . + obras

Pese a las trabas que se imponen a este género del arte,  el  street art cada día es más importante en el mundo del diseño, es una forma para llegar  a más gente y usar una plataforma masiva: la calle. Cada día más diseñadores toman las calles.                                                                                                                               Como todo movimiento indie  surgen galeristas que intentan trasladar ese arte urbano a las galerías,  alquilando  una parte de ese concepto de arte urbano. Pero el arte urbano es muy amplio, no significa una cosa u otra,  seguro  que hay muchos chicos que pintan un arte despreocupado  y sin convenciones o normas, pero eso no significa que no haya convenciones en el arte urbano, que ciertos artistas terminen exponiendo su arte en museos y galerías.  En todo caso desde el diseño deberían tener en cuenta embellecer la ciudad y hacer mas arte.

Street Arte Ba es un evento independiente y sin fines de lucro que promociona el arte callejero local e internacional y sus artistas. Funciona como encuentro de artistas, entre las distintas agrupaciones y disciplinas del arte callejero - el graffiti tradicional, el muralismo, el stickart (pegatines y estickers) y el estencil. Este proyecto se sustenta principalmente por todos los artistas que participan y envían las propuestas a la convocatoria Y se compone de dos artistas coordinando, y varios ayudantes.

Página web oficial, Street Arte Ba 

Sin embargo parece no existir controversia alguna, por parte de  los artistas que  trabajan en la calle, sobre el tema  de que  los museos y  galerías realicen  exhibiciones de artistas urbanos.                                                                                                                                                                    Quién mejor que Street Arte Ba, que  tratan diariamente como creativos urbanos, para desvelar qué opinión les genera  esta dualidad creativa entre galerías y exhibiciones  urbanos. Desde la organización de Sreet Arte Ba consideran  que no existe controversia alguna, el arte callejero no puede estar en una galería, sino dejaría de ser arte callejero, pero los artistas urbanos son en definitiva artistas y no encontramos razones controvertidas para que expongan su trabajo en otros medios que no sean  callejeros.

El arte urbano por sus cualidades presenta adjetivos de los cuales carece el dibujo convencional.   “La diferencia principal es que no se expone en museos, está en la calle, es de la calle, tiene el idioma de todos, puede ser visto por todos. Después podemos pegar un dibujo hecho en papel en la calle y podría ser llamado street art, pero sus cualidades, técnicas y  tamaño son otras, y el valor que le da al medio urbano es otro, y definitivamente el impacto visual es otro. El arte en la calle es un regalo que le dan los artistas callejeros a los vecinos, a los transeúntes, a todos”, destaca Street Arte Ba.

Partiendo de la base que está técnica que esto empezó a pasar en los años 70 con los primeros WRITERS, pero es que la gente nos empeñamos en hacer creer que una cosa que está pasando hace 40 años sigue siendo un Boom.  La artista creativa urbana  Alejandra de la Torre asegura que los artistas con obra urbana, que han acabado en galerías, no lo han hecho porque pintaban sobre muros, si no porque son buenos artistas, independientemente del soporte. El muro no es más que un soporte más, únicamente eso.

Por lo tanto, cada  artista mantiene una visión diferente sobre la relación que debe existir entre las galerías y el arte concebido en su forma más urbana. Pero al fin y al cabo, ambas formas de presentar el diseño terminan siendo lo mismo, la manifestación del arte, lo único que cambia es el contexto y el lugar.  Por ello el arte urbano termina  siendo, al igual que una galería,  un espacio de visualización adicional, como una galería u otra área que está mostrando un trabajo artístico.

Como destaca la experta en arte urbano textil  Olek, entender y aceptar el arte toma tiempo. La música rap no fue aceptada por 15 años y luego dominó la década de 1990 y sigue un siendo un género importante. Si recuerdas a Wild Style, la película de culto de 1982, el graffiti y el rap tanto estaban bajo tierra y la franja. Ahora domina el rap la música y el arte de la calle desaparece a veces  de las calles y se encuentra en importantes colecciones. De hecho, estaría bien poner el arte urbano en una carpeta de arte público. ¿Qué sigue más? No puedo hablar por los demás, mientras yo tengo dos manos, no hay más por venir en mi final.

El arte callejero no solo es dibujo  , Olek es un ejemplo de creativa urbana  que sustituye el spray por la lana

Mi arte reflejado en un muro 

Alejandra de la Torre: " Las obras que veo en la calle en cualquier otro soporte no funcionarían como lo hacen  en un muro" 

Su motivación, al igual que la de todos,  empezó con una caja de plastidecors y el maravilloso pasillo blanco de casa de sus padres.  En cuanto su madre vio su obra le cambió la cara por completo, entonces descubrió que  había filón.                           

Alejandra de la Torre, paso de  ahí a su segundo gran contacto con el arte. El mundo del street art, vino  para ella dado  por la falta de dinero/espacio. Pintaba cuadros, pero cada vez tenía más ganas de hacerlos más grandes y entonces es cuando descubrió  que su soporte era el muro, aunque sin dejar el lienzo de lado. Siempre ha tenido  como proyecto que su espacio o soporte fuese el muro y es ahí donde funciona como artista.  

P. ¿Qué podemos encontrar en  Alejandradelatorre.com?

R. De todo, desde la mejor receta de tiramisú del mundo, hasta como coser un botón  pasando en cómo convertir piedras en oro, como construir tu propia máquina del tiempo con botellas recicladas, el hechizo del amor de eterno y como perder cinco quilos en una semana sin dietas y eso sin contar con alguno cuadros y he instalaciones que puse para adornar el resto de secciones.

P. ¿Qué elementos  debe integrar  una obra  callejera, a su juicio,  para ser un auténtico Street Art?

R. Claramente  estar en la calle, no creo que hayan unas pautas matemáticas para ello, no sé qué elementos debe integrar una obra para que sea o no auténtico street Art, de hecho ¿qué es autentico Street Art?  .                                                                                    Solo te puedo decir que personalmente de las obras que veo por las calles las que más me gustan o me parecen más interesante son aquellas que se adaptan perfectamente al medio, que en cualquier otro soporte no funcionarían como funcionan en un muro.

"Os Quartos", obra  de Alejandra de la Torre plasmada en el muro

P.  Actualmente realiza el Máster deProducción Artística en  Universidad Politécnica de  Valencia, ¿De qué se estructura?, ¿el arte urbano  tiene cabida en la enseñanza?

R. Se estructura del dinero de todos sus alumnos junto a la creencia de que con un máster vamos a encontrar un trabajo mejor todo ello mezclado con el humor de los estudiantes a medida que se dan cuenta de que tienen que realizar un trabajo final teórico que se les hace totalmente cuesta arriba, aderezado práctico, con un poquito de pintura, instalación, escultura, dibujo, animación o diseño, a gusto del consumidor

En relación a lo del street art, teniendo en cuenta que como he dicho, creo que en todas las respuestas, el muro o la calle solo son un soporte más, donde puedes aplicar unas técnicas u otras en relación al proyecto que quieras realizar, diría que sí que tiene cabida en la enseñanza artística puesto que ésta se encarga de enseñar técnicas.

P. ¿El concepto “ Arte urbano” significa poder hacer un arte más despreocupado y menos convencional sin normas, a diferencia de otro tipo de trabajos en diseño?

R. Considero que el soporte y la preocupación van por caminos diferentes.  El arte urbano puede acoger desde lo más provocador hasta lo más clásico, al igual que la ilustración en papel o la pintura sobre lienzo….  Y si quieres que lo comparé directamente con el diseño te diré que el diseño también puede ser de lo mas despreocupado siempre que no sea un encargo cerrado de un cliente, pero entonces lo tendríamos que comparar a un encargo de mural donde tampoco tienes quizás total libertad de actuación.

Elevador da Gloria, por Alejandra de la Torre

Postalita Carmen , por Alejandra de  la Torre

P. ¿Existe diferencia entre el Street Art y el graffiti?, ¿cree que la sociedad ha encasillado el  arte urbano  exclusivamente en el  graffiti, marginando otras técnicas urbanas?

R. Madre mía la pregunta de la cueva del lobo… amigos grafiteros espero hacerlo bien… para mi  graffiti = grafismo = letras con estilo, es decir, lo que conocemos como piezas, mientras que el street art se ha llamado al resto de estilos que han florecido en la calles para hacer compañía al grafiti que estaba muy solo el pobre.

Creo que la sociedad llama grafiti a todo y punto, no han marginado nada porque ni se lo plantean, todo es grafiti y ya está, mucho más fácil.

P. ¿Qué es el grupo artístico Comando Marisol?, ¿qué tipo de arte plasmáis? 

R. En 2001 un comando compuesto por 8 de los mejores hombres y mujeres del panorama artístico-folclórico valenciano, fueron encarcelados por un delito que no habían cometido. No tardaron en fugarse de la prisión en la que se encontraban recluidos gracias a la lija de afilar difuminos que todavía tenían con ellos. Hoy, buscados todavía por el gobierno, sobreviven como soldados de fortuna, realizando todo tipo de acciones y happenings donde se ataca e informa al espectador mediante la dura, larga, fuerte, extensible y húmeda arma de la ironía. Si tiene usted algún problema y se los encuentra, quizá pueda contratarlos…

Aunque tampoco será fácil del todo. Comando Marisol empezó con 8 componentes fijos, Nacho Durá, Marta Andrés, Mireia Vila, Anita Cembrero, Blanca Añón, Clara Rodríguez, David Pascual y yo, pero debido a nuestras misiones algunos de nuestros componentes tuvieron que abandonar el grupo.

Actualmente nos seguimos uniendo algunos de nosotros mas algún que otro extra, para seguir realizando acciones de carácter mas experimental y provocador.

P. ¿Qué es y cuál es su función en el Festival de Arte Hormonado?, ¿encontramos en él  contenido Street Art?

R. El festival de Arte Hormonado es una propuesta nacida a partir del esfuerzo de jóvenes artistas y comisarios, con el propósito de dar visibilidad a todas esas obras artísticas que por su carácter experimental tienen difícil acceso a los circuitos galerísticos, pero que merecen desde nuestro entender ser mostrados al público.

Nació en Bilbao y alberga, desde pintura, escultura, instalación, happenings, performance, arte sonoro y videoarte hasta música, moda o StreetArt

Con el tiempo ha pasado de ser un festival de unos días en algunos espacios de Bilbao, ha tener el apoyo de muchas instituciones, entre ellas el Guggenheim, la cual nos cedió una sala en el último certamen para las propuestas sonoros.

A parte este año además del certamen en Bilbao, nace laCucharaTour una serie de eventos itinerantes con el mismo objetivo que el festival, pero cuya duración es de tan solo un fin de semana, en los cuales se promocionan jóvenes talentes en diferentes ciudades tanto dentro como fuera de España.

Mi aportación al festival, es la difusión del mismo dentro del territorio Portugués.

Cartel del festival " La Cuchara Tour"

Arte para curar heridas 


Se crea " Nuevo Haití Photo Street Art ",un calendario artístico de cooperación  y desarrollo encaminado a ayudar al pueblo  Haití tras el terremoto sufrido en 2010

El estilo del arte urbano y la fotografía se han fusionado en este caso para crear un trabajo con fines humanitarios, con el objetivo de ayudar a la población haitiana a superar la  grave situación tras el fortísimo terremoto que asoló el país hace dos años, concretamente el 12 de enero de 2010.

La Photo Street Art ‘Nuevo Haití, derecho a la reconstrucción’ surge de un viaje a Haití, unos meses después del paso del devastador terremoto por la isla caribeña, en 2010.  Con la colaboración de la agencia Daristoteles y Laboratorios Chiesi, los fotógrafos Miquel Benítez y David Puig se trasladaron a Haití acompañados por Farmamundi, para realizar un reportaje fotográfico que después dio pie a esta original muestra artística. Medio centenar de artistas graffiteros nacionales y extranjeros han querido sumarse a este proyecto, aportando mayor expresividad y simbolismo a las ya de por sí fabulosas instantáneas de estos dos profesionales. De la unión del graffiti y la fotografía nace esta exposición benéfica que ha visitado ya Barcelona y Valencia y de la que todavía están en venta algunas de sus piezas, a través de la web de Farmamundi. 

Portada del calendario

Índice del calendario

David Puig, prestigioso profesional del flash que ha fotografiado a personas como Rafa Nadal , Carles Puyol, Ferran Adriá entre muchos otros y colaborado con importantes revistas como Hola y ok Magazine,  es uno de los dos   fotógrafos  que han  formado parte del proyecto junto con Miguel Benítez  y   un equipo de profesionales capitaneado por David Hernández, director general de l’Agencia de Comunicación Daristóteles Ideas & Strategy, en un ambicioso proyecto que se dedicó a realizar diferentes acciones para ayudar a Haití.
“Mi principal función era hacer fotos para un calendario solidario y documentar junto con el fotógrafo Miquel Benitez la terrible situación que estaba viviendo Haití.
Las fotos del calendario se realizaron en diferentes orfelinatos que gestionan dos ONG de República Dominicana que reciben apoyo de Farmamundi y que desde hace tiempo ayudan al pueblo Haitiano en toda la isla”, afirma  el fotógrafo David Puig.

Las fotos documentales, sirvieron para realizar el proyecto artístico “Nuevo Haití Photo_Street Art”, éstas eran el punto de partida a modo de lienzo, para que más de 30 artistas graffiteros nacionales e internacionales  se dotaran de mayor expresividad y simbolismo a las ya de por sí fabulosas instantáneas tomadas en Haití.
Una selección de las fotos registradas en el viaje también formaron parte de la exposición “Nuevo Haití, derecho a la salud y a la educación”, que Farmamundi estuvo rodando por varias ciudades de España para mostrar su trabajo en el país caribeño desde el paso del terremoto que devastó la isla en enero de 2010.

 

El calendario es una combinación de elementos fotográficos y arte street art

Las donaciones recibidas de la venta han ido directamente a los proyectos que Farmamundi está desarrollando en el país caribeño desde el golpe que asoló la isla. Haití era y sigue siendo el país más pobre del continente americano.

“Hemos vendido 25 obras, por lo que cuesta un cuadro, desde Farmamundi hemos podido potabilizar 12.500 litros de agua, aliviar el dolor enviando más de 89.000 unidades de analgésicos o atender a más de 1.100 niños enfermos, los más castigados en las situaciones de emergencias”, resalta Paloma Pérez,  responsable del Área de Comunicación de Farmamundi.

Farmamundi continúa su trabajo en Haití para reforzar la prevención y la atención a las víctimas de la epidemia de cólera en el país. La última intervención ha mejorado las condiciones básicas de saneamiento y acceso a agua potable ambiental en Léogane, Petit-Goâve y Grand-Goâve. En total, el proyecto de acción humanitaria está beneficiando a más 5.500 personas. 

El hecho de escoger al  street art como pieza clave para este proyecto  fue por  una iniciativa espontánea que surgió de la agencia Daristoteles.  La agencia contactó con varios artistas para hacer una performance en la Barcelona Meeting Point, en diciembre de 2010, y llamó a varios artistas para que pintaran en directo sobre fotografías de gran formato. A partir de esa experiencia, según comenta Paloma Pérez,  otros artistas contactaron con Farmamundi para poder sumarse a lo iniciado en Barcelona de forma experimental. De ahí surgen un total de 70 fotografías en blanco y negro, pintadas por 50 artistas de reconocido nombre y con diferentes estilos, entre ellos Jorge Ochagavía, NADOS o Jota Loca.

Este proyecto  refleja el maravilloso trabajo que realiza Farmamundi y las ONG locales con las que trabaja en el país, ofreciendo asistencia sanitaria a la población damnificada y a la vez también denuncian la penosa situación en la que vive el pueblo haitiano, después que el terremoto azotara al país más pobre de Latinoamérica. 

Un  esfuerzo impulsado por  estos  profesionales de diferentes sectores que  ha resultado una experiencia tanto desde el punto de vista artístico como profesional espectacular, una  verdadera obra sinérgica única en su género.

“La experiencia fue desgarradora, nunca había visto tanta tristeza y dolor...me sentí roto y agradecí la suerte de vivir como vivimos. Por otro lado hice muy buenos amigos en las ONG locales Fermina, Iris y el Doctor Prasedez de COSALUP, el gran Rafael de AYUDA A HAITI Leogane, Patrick Cherubin y Joseph de MOSCTHA-HAITI todos ellos trabajan desde hace años para Haití y los derechos de los Haitianos (en la República Dominicana son casi esclavos) y me ayudaron a comprender que podemos aportar mucho a los más necesitados con nuestras herramientas”, declara David Puig.

El calendario es  un viaje por la situación real de Haití

Desde Farmamundi están abiertos a que galerías de arte y otros espacios colaboren en su exposición. “Después del rodaje por Barcelona y Valencia nos gustaría poder llevarla a otros lugares, porque es una muestra que merece la pena ver y cuyos cuadros son auténticas obras que cualquier amante de la cultura urbana y el diseño le gustaría tener en casa o en la oficina”, destaca Paloma Pérez. Pero para ello necesitan  ayuda desinteresada, pues cualquier montaje requiere tiempo y dinero. 

" Saludos desde Montevideo, esta pequeña ciudad que baña el río de plata", David Puig. 

Nueva visión del juguete, estrechamente vinculado al  diseño y  al vanguardismo

Queridos diseñadores magos...

El juguete ha sido  reconocido  recientemente por el  Ministerio de Cultura como Industria de Interés Cultural

Alfonso Gómez Jiménez

Nos encontramos con un resurgir de los juguetes vintage que recuperan las formas y colores de los productos de antaño, pero adaptándose a los nuevos tiempos, con líneas más depuradas.                                                                                                                         

Esta  especie de  diseño de involución/evolución responde a los mismos parámetros que observamos en el resto de diseños de bienes de consumo. Formas más limpias y redondeadas  que  se abren ante la  paleta cromática y  van desde los colores primarios,   hasta  los colores más sofisticados. Diseñadores que crean un juguete real y pionero en imagen.  Quizás ahora se cambie la conocida frase de " queridos reyes magos", por invocar a este nueva generación de diseñadores que se lanzan a la caza del sector del juguete. 

Desde hace varios años el diseño es una parte fundamental del proceso de creación de un juguete, estrechamente vinculado al concepto del mismo y en la línea de ofrecer valor añadido al usuario, tanto desde el punto de vista meramente práctico (mejor manejabilidad, usabilidad, comodidad, facilidad de almacenaje,…) hasta el puramente estético (atractivo,…), pasando por todas las connotaciones vinculadas al diseño emocional de un producto y al incremento de su jugabilidad.

Matt Jones, Tony Viper y Luiz Marcatto representan a este nuevo ciclo de diseñadores que apuestan por una  nueva concepción en el modelaje del juguete.

El diseñador Matt Jones es el fundador de Lunartik.com un destino web creado en 2002. Este portafolios  personal, junto con su tienda online ofrecen obras de arte, esculturas y juguetes de vinilo diseñadas por él y concebidas sobre la base de su propio carácter.

“Mi interés en juguetes de vinilo de diseño se inició en 2004, desde entonces he hecho mi propia  producción con figuras de vinilo que trabajan en estrecha colaboración con un gran equipo en China”, resalta Matt Jones.

Su primera figura es una combinación de dos elementos: su personaje llamado Lunartik y una tradicional taza de té Inglés. Juntos forma “Lunartik” en una taza de té. El grupo se formó en 2005, justo después de ganar un concurso de diseño de juguetes organizado por Toy2R.

Su pequeño personaje de baño de té sigue teniendo presencia en el mercado, ya que el  autor continúa  trabajando actualmente en la serie 2 de la versión en miniatura, que estará lista para ser lanzada al mercado este mismo año.

Snow mountain  Tea by Matt Jones

Lunartik in a cup of tea. Serie 2

En el caso del creativo Tony Viper pone en muestra un proyecto titulado “ Cosmic Nuggets”, con una visión futurista, donde la vía láctea entra en escena. 

Sus  últimos modelos design/3d caracteres son una interpretación de su  trabajo en 2D en forma de 3 dimensiones.  Viper se ha  interesado en la creación rápida de prototipos, pero al no poder  pagar los materiales y  los  costes de impresión finalmente no  ha podido producir un diseño en 3D.

La solución ha sido  usar un bloque de construcción sencilla para crear una especie de prototipo auto barato. Este creativo ha realizado  su diseño a partir de piezas básicas del logotipo que tenía guardadas de su infancia. Para Tony Viper  este proyecto se ha convertido en una interesante mezcla de una solución artística, estético y práctico.

Characters tree 2012

El juguete del pasado ha dejado una puerta abierta  llena de posibilidades para la creación de nuevas obras, y su diseño ha servido de inspiración para nuevas generaciones de artistas, como es el conocido juguete de Lego.

“Mis personajes son básicos a partir de piezas de Lego, Recojo de Lego de los mercados de segunda mano para construir mis personajes y posteriormente pintar directamente sobre los ladrillos, una vez construidos”, afirma Tony Viper.

Characters two 2012

Desde otra corriente en el diseño del juguete nos topamos con Se Gengivo o Gummies el señor, es el proyecto impulsado por la diseñadora Luiz Marcatto de la firma Libretto.

“Como cualquier anciano, tiene un enorme conjunto de dientes que se caen siempre fuera de de lugar y una buena cabeza brillante negrita. Seo Gengivo tiene la costumbre de sólo usar ropa con tela Chackered y tiene una colección interminable de gafas. Él es tan viejo que se volvió de color amarillo, pero a  él no parece importarle, enmarca la diseñadora.

Este sector ha experimentado un  proceso de evolución y se  ha visto obligado a digerir  las nuevas tendencias y a ser abiertos a  la rapidez de los cambios.  Si antes los diseños de juguetes perduraban en el tiempo durante varios años, realizándose ligeras variaciones, ahora cada año las empresas lanzan  nuevos productos que satisfagan las demandas de un mercado ávido de toda suerte de novedades.

Seo Gengivo no es nadie sin sus accesorios 

Recortes de papel Seo Gengivo

Este  riguroso cuidado  en el diseño, propio de los nuevos tiempos y de las demandas que se registran,  ha llevado a la necesidad de crear parámetros específicos de un público objetico, para conseguir que el producto llegue de forma más clara al receptor.

“Estoy muy feliz de decir que mi diseño, en particular, cruza muchas barreras de edad y sexos. Los clientes son una bolsa de mezcla de raíces de  individuos”  resalta Matt Jones.

Mientras que para unos el público objetico continúa siendo una masa muy amplia inespecífica,  difícil de jerarquizar. 

“El público es siempre un poco  desconocido para mí. Cuando dibujo mis personajes suelo crear pensando en mí mismo, para expresar mi imaginación visual. Creo que pueden llegar a diferentes edades y tipos de personas. Mi diseño atrae a  niños y a  adultos, en especial a un público adulto. A veces siento que son casi tribal, en un sentido de diseño que apela a una amplia gama de personas de todas las culturas”, afirma Matt Jones.

Para otros, el producto parte con la premisa de orientarse y adaptarse  a un público determinado, con un perfil concreto.

 De este modo Seo Gengivo es un juguete basado en los gustos de su creativo, destinado a personas que comparten las mismas ideas e interese que Luiz Marcatto . Una de las características que se resaltan en su proyecto es la nostalgia. Para la diseñadora  esta característica es la que  llama la atención a la gente. Las personas tienden a relacionarse con el personaje y ya después deseamos.

No debemos olvidar que hoy en día los juguetes siguen ocupando un lugar interesante en la historia, debido a los avances en la tecnología y a la disposición de los medios para  producirlos, convirtiendo este sector en algo más libre.Por ello la clave de un juguete  para resultar innovador y diferente  reside en la originalidad del diseño, la atención a los detalles y el atractivo del personaje, todo ello define la forma en que se habla visualmente a una persona.

 Matt Jones   connota  un buen diseño  cuando  cruza los límites de las edades y gustos personales. “No trato de mantenerme  al día con las tendencias de diseño de personajes, porque me siento que es imposible. Yo sólo sigo  mi instinto y creo  aquellas cosas que realmente quieren ver”, destaca el diseñador de lunartik.

Pero crear un buen diseño supone pensar más allá de la caja del producto, y esto implica un claro proyecto bien planificado que hace que el proceso sea una tarea más complicada.

“Cuando se habla de un buen diseño actual, es importante que los diseñadores comprendan plenamente la opinión pública que él o ella está tratando de alcanzar. Cuando se trata del juguete creo que es aún más clara que con otro tipo de proyecto, ya que estamos creando personajes. Es importante hacer una investigación a gran escala para crear cosas nuevas y diferentes ”, resalta Luiz Marcatto.

 Sin embargo en la cadena de producción de un juguete,  ya sea educativo o inspirado en ediciones de diseño, es importante dar valor a  los organismos que velan por la seguridad.

Siempre que los diseñadores cumplan con la Directiva de Seguridad del Juguete, el desarrollo de nuevos productos por parte de diseñadores ajenos al mundo del juguete puede suponer un estímulo para el lanzamiento de ideas novedosas.

El problema está cuando se realizan juguetes dirigidos a un público más adulto o a coleccionistas, que por su forma y diseños pueden reconocerse como juguete y en consecuencia, ser utilizado por el público infantil, con los problemas que ello conlleva (utilización de pinturas con materiales tóxicos, migración de sustancias desde los vinilos, existencia de piezas pequeñas,…)

AEFJ, Asociación Española de Fabricantes del Juguete,  es la única representante nacional de la industria del juguete, fundada en 1967. Su misión es la de representar y defender colectivamente los intereses profesionales y peculiares de la industria juguetera ante organismos, asociaciones o entes de cualquier naturaleza, promoviendo el reconocimiento del valor del juego como derecho fundamental del niño y del juguete como su instrumento.

“Desde AEFJ se diseñan y lanzan proyectos que promueven el diseño en las empresas, tanto desde el apoyo a la creación de nuevos productos como con el desarrollo de herramientas que faciliten la búsqueda e implementación de nuevas tendencias en juguetes, como sería el caso de Spora, portal de tendencias para juguetes, que por un lado, recoge diferentes tendencias en productos infantiles y por el otro constituye un vivero de nuevos proyectos para juguetes por parte de jóvenes diseñadores “, afirma Marta Pastor, responsable del Departamento de Comunicación de la AEFJ.

Página oficial online de la AEFJ

Además la Asociación actúa como foro de discusión e intercambio de información para el sector, promueve la imagen del juguete, la competitividad de las empresas y la promoción del sector; y vela por el cumplimiento de las normas de seguridad y la ética en la fabricación y comunicación.

Marta Pastor hace hincapié en que la seguridad de los productos, está implícita desde el mismo momento de concepción de un juguete y le acompaña durante todo su desarrollo, pasando por el proceso de diseño hasta el momento de comercialización y consumo.

 Cuando hablamos del sector del juguete,  no podemos obviar un factor que viene acechando a este producto desde su aparición. Es obvio  que en estos momentos la crisis afecta a  muchos sectores del mercado,  pues el juguete  también ha dejado en cierta manera contaminarse por esta enfermedad monetaria. La agencia de comunicación EFE, según datos de la memoria de la AEFJ, asegura en un comunicado que las ventas de juguetes en España sumaron 1.066,16 millones de euros en 2011, un 10,4 % menos que en el ejercicio anterior, lo que supone la mayor caída sufrida por el sector desde el inicio de la crisis en 2008. Pese a estos datos negativos España es el segundo país de Europa en producción de juguetes, con una facturación anual que supera los mil millones de euros.

Consciente de la grave situación  que atraviesa el sector del juguete, el presidente de la AEFJ, JoséAntonio Pastor, en una de sus últimas apariciones,  ha expresado  su  deseo de que España sea cada vez más partícipe de una verdadera cultura del juego y del juguete  que contribuya a romper con la estacionalidad y a reforzar el uso de los juguetes como herramientas pedagógicas.

A pesar de que el juguete atraviese esta precaria situación ,  el producto ha sido  reconocido  recientemente por el  Ministerio de Cultura como Industria de Interés Cultural, con la publicación en el Boletín Oficial del Estado (BOE) de la orden CUL/3009/2011. Un reconocimiento que se venía pidiendo desde hace tiempo por diversas organizaciones y que tuvo su apogeo con la manifestación llevada a cabo por AEFJ,  con una original puesta en escena, donde  50 osos  de peluche se asentaron frente  las puertas del Ministerio de Cultura en Madrid, en señal de protesta.

AEFJ aboga por la cultura del juguete con esta original protesta frente a las puertas del Ministerio de Cultura en Madrid

     

En general  el mercado de los juguetes ha sido  dictado desde siempre  por los diseños más simples y formas,  pero con el paso de los años se ha intentado adoptar un efecto directo sobre los diseños de los nuevos juguetes, creando una fusión de obras más populares.

Esto no ha supuesto que el diseño actual pierda  un ápice de calidad en sus productos, ya que según la legislación europea es una de las más exigentes del mundo. Por lo tanto, al  juguete made in Spain se le une  la seguridad de su producto a una puesta decidida por el diseño,  sin olvidar  al valor pedagógico, subyacente en el propio juego.

El juguete inteligente

" GLOB " Un diseño pensado en los temores de los niños a la hora de dormir

A  finales de 2009  Jordi Gisbert  y Verónica Coloma coinciden en la creación de un proyecto en común,  concibiendo  “Ham & Cheese”. Dos jóvenes  que unen fuerzas para desarrollar un  negocio centrado en el espacio del diseño.

Entrevista a Jordi Gisbert , creador de la firma junto con Verónica Coloma

Ham&Cheese representa una filosofía de diseño fresco y animado, en el que la sorpresa y el color siempre están presentes. El sándwich de jamón y queso es la base de la marca, demuestra que algo compuesto de elementos sencillos es siempre eficaz y llega a más público.  Para estos dos nuevos talentos de la escena creativa  la clave no reside en diseñar de forma compleja, solo en necesario valerse con un poco de astucia para dar con grandes ideas combinando elementos simples.                                                                                     Su diseño “Glog” pensado para los niños, es el resultado de conjugar el ingenio y la comodidad para hacer llegar a este público objetivo un producto que se adapte a sus necesidades y satisfacciones.

P. ¿Cómo surge la idea de hacer un juguete con estas características?

R. La idea de Glob nace pensando en los miedos de algunos niños relacionados con la hora de dormir, pretendíamos crear un objeto que creciera con ellos, con aspecto emocional, que quieran tener a su lado y además de gustarles les sirva de ayuda para superar ese típico miedo a la oscuridad.

P. ¿De qué materiales se compone?

R. Glob es como cualquier otro peluche, su cuerpo en íntegramente de textil con un relleno sintético para que sea blando, la careta es de un polímero resistente que permite además personalizarlo con la ayuda de un rotulador.

P. ¿Está a la venta al público?, ¿dónde se puede encontrar?

R. Por el momento seguimos buscando productor, sólo disponemos del prototipo realizado para exposición que es completamente funcional.

P. ¿Qué supone dar a conocer un diseño  en  una feria,  como es  la Feria de  ideas de Valencia Ideas&Pasión? , y ¿cómo repercutió en su caso con Glob?

R. A nivel de reconocimiento web repercutió muy positivamente tanto en éste producto como en el estudio en general. Presentamos Glob en la primera edición Nude a de Feria Valencia a la que asistimos y fue uno de los tres proyectos con los que nos dimos a conocer, tuvo una gran aceptación por los medios y los consumidores.

P. ¿Qué factores considera que debe tener hoy en día el diseño de un juguete para que sea competente?

R. Sobre todo tiene que llamar la atención a primera vista, debe ser atractivo e innovador. Las formas, los colores, todo influye para un resultado que sea competente en el mercado y aún más en algo tan amplio como el campo del juguete, donde no dejan de aparecer productos nuevos cada semana.

P. ¿Qué diferencias  existe  entre  el juguete del pasado y el de hoy en día?

R. El cambio más grande en la historia del juguete ha sido la aparición del plástico, y más tarde las nuevas tecnologías y la electrónica, permitiendo juguetes más complejos y que motiven más a los niños; esto ha influido lógicamente en el diseño de los juguetes, pero también el paso del tiempo ha ido refinando los aspectos formales, con mayor sutileza y más tacto en la resolución de las formas de un producto. Otro cambio importante es que cuando hablamos de juguete ya no pensamos sólo en los niños, son muchos los juguetes que se diseñan pensando en un público adulto exclusivamente. 

P. Actualmente muchos diseñadores lanzan colecciones de juguetes con un buen  diseño  pero que probablemente carecen de uso práctico ¿Un juguete debe ser ante todo práctico, o el diseño y lo práctico no están reñidos?, ¿o no  es necesario que  un juguete esté pensado para sacar  de él un uso práctico, sino más bien ser visto como un elemento estético?

R. Es una pregunta complicada, depende mucho del público al que vaya dirigido y la finalidad con que se conciba. Ninguna de las dos opciones es del todo cierta. Si hablamos de juguetes para niños, siempre debemos recordar que un juguete es para jugar, que su finalidad es la diversión, por ello no podemos decir que un juguete no tiene un lado práctico o que no es necesario, cuando el simple hecho de jugar ya es una finalidad más que importante. El aprender con un juguete o que tenga una función educativa es sólo un valor añadido que, además de no ser siempre importante, suele resultar forzado. El único punto en el que entendería que un juguete sea sólo un elemento estético es si está pensado para un público adulto, sensible por este tipo de objetos, considerándolos más piezas de coleccionismo decorativas que simples juguetes.

P. ¿Con qué proyectos participa Ham & Cheese  en esta última edición de Disseny Week 2011, valencia? 

R. En esta última edición estuvimos en la VDW en la exposición Merienda entre amigos, donde presentamos nuestrasMaracas-hucha. También volvimos a Nude, donde presentamos un despertador Slow, unas macetas para organizar cargadores de las que estamos preparando una edición limitada producida de manera artesanal y Folda, un conjunto de mobiliario de líneas sencillas pero con un diseño cuidado tanto a nivel estético como funcional.

Una herramienta multiusos 

El juguete por sus posibilidades y evolución a lo largo de la historia se ha empleado para diferentes recursos a parte de su significado inicial de entretenimiento, al igual que una  herraminenta de multiusos. La publicidad y la arquitectura se han alimentado de sus nutrientes  creativos a la hora de realizar campañas publicitarias y figuras de arquitectónicas.

La publicidad es uno de los factores  existentes  en los medios de comunicación que más  puede llegar a influir en la sociedad. Su mezcla de persuasión, ingenuidad y encanto, originan un mensaje fácil de penetrar en el receptor.

Cuando hablamos de publicidad creativa,  el  juguete sigue siendo buen reclamo a la hora de hacer campañas.

BriefBlog es una página de creatividad y mercadotécnica especializada en el análisis de campañas publicitarias, en esta mercadotecnia virtual se puede rescatar un ejemplo de entre mucho  de esas campañas que se valen de juguetes para reclamo publicitario. Concretamente la creada por la agencia de publicidad DDB  de París, Francia, para promover las golosinas  Chupa-Chups. En sus anuncios toman como protagonistas centrales de la campaña a juguetes conocidos mundialmente como son Sindy y Action Man.

Cada vez más los juguetes son utilizados para comercializar con otros productos

 “Como consumidores nos retrotrae a una de las mejores etapas de nuestra vida, la infancia, y eso, casi siempre, son buenos recuerdos”, asegura Victor Betran, publicista del grupo bgmedia.

Pero esta actividad implica que se deban  tomar ciertos controles cuando el juguete es el protagonista en las campañas publicitarias.

Juguetes que aparecen en las campañas como protagonistas de otros productos pero que su fin no es su venta, sino que se convierten en el argumento central del mensaje de otro producto. Este vídeo publicitario de la conocida de marca de pilas Energizer “ A toy love story will make you cry”, recrea una emotiva historia centrada en la vida de unos juguetes para apelar la sensibilidad del receptor del mensaje y así conseguir que el producto llegue mejor al posible cliente.

                                             

Desde el punto de vista de Victor Betran, siempre se ha de verificar que el juguete pase todas las reglamentaciones de industria y sanidad para poderse vender y anunciarse, sea o no sea el protagonista del anuncio. Siempre que se utiliza el juguete, se ha debito dar la autorización de uso previamente  y  debe tener en cuenta el público objetivo al que se dirige.

En cuanto a  relación existente entre la arquitectura y el juguete resulta más compleja de focalizar de lo que pueda pensarse. El juguete en sí mismo es un concepto muy amplio. Un juguete es por definición un objeto atractivo con que se entretiene a los niños. Sin embargo un juguete puede ser mucho más que eso, puede ser educativo, puede ser utilizado de modo creativo e incluso no tiene porqué limitarse al niño.

En esa línea es en la que trabaja el arquitecto Fermín Blanco con el sistema “Lupo”.

Lupo tiene un componente que lo hace singular y es su uso como instrumento para trabajar en grupo, especialmente su versión ”Superlupo” de gran escala.

 El sistema Lupo es un instrumento didáctico que se basa en un set de siete tipos de piezas de construcción diferentes. A partir de un principio de participación en grupo se establece para cada taller una didáctica apropiada. Las piezas siempre son las mismas pero los objetivos varían.

Factores que toman la arquitectura del juguete para inspirarse a la hora de la producción de sus escalas. Algunas se centran en la arquitectura contemporánea, en el arte románico, o en el patrimonio arquitectónico en general. En otras ocasiones se centra exclusivamente en la arquitectura y se base en planteamientos artísticos como la obra de Eduardo Chillida o los Carpinteros.

“El componente grupal es el más importante, la competitividad también depende del caso concreto. En ese sentido hemos hecho talleres con equipos de hockey para estimular las decisiones rápidas en estado de fatiga o el trabajo en equipo. También hay talleres familiares, talleres para adultos… Se trata de aplicar una didáctica a un tema que puede ser de lo más variado”, asegura Fermín González Blanco.

Este arquitecto asturiano imparte además una conferencia titulada “" El juguete de construcción como herramienta didáctica" del ciclo aperitivo,  que se ha desarrollado por última vez en la IE UNIVERSITY de Segovia.

El ciclo Aperitivo es una idea de Julián García y Anna Mestre comisariado con Martha Thorne. Se trata de establecer un ágora de discusión entre diferentes disciplinas, es decir que los arquitectos hablemos de temas que puedan interesar a los abogados, a los biólogos o a los economistas, en un intento por romper la endogamia que suele presidir todas nuestras charlas y actividades en general.

“El ciclo se centra específicamente en la evolución del juguete didáctico, que es el único que me interesa. Su evolución desde los pioneros centro europeos, trabajados en madera, pasando por la influencia de la industrialización y su repercusión en el juguete con la aparición de nuevos materiales con piezas metálicas o plásticas, y sobre todo la deriva del juguete doméstico hasta nuestros días”, aclara Fermín González Blanco. 



 Sistema Lupo, una plataforma formada por un  conjunto de profesionales encargados del diseño y el desarrollo  del sistema, encargados de organizar talleres didácticos para todas las edades, desde educación infantil a estudiantes universitarios, educación especial o adultos. La acción de integrar la arquitectura  y el juguete  en LUPO .

Cursos Lupo, donde los niños se adentran en  la disciplina de la arquitectura 

                                          Ejemplo en directo de un curso Lupo para niños  

Alfonso Gómez Jiménez

Coolhunters, nuevos Gurús de la moda,  capaces de  

penetrar e influir en el mundo del Marqueting  

A veces no es tan importante ir por delante de la moda o  estar en la cresta de la ola. Lo esencial es ser consciente del momento presente que estamos viviendo, entenderlo, disfrutarlo y difundirlo, para que así las nuevas generaciones sigan teniendo la oportunidad de aportar el progreso a la cultura. 

Concienciados  de la importancia que entrama esta nueva tendencia , surge en los 90 en Estados Unidos  un desconocido grupo  de profesionales encargados de investigar, analizar y detectar futuras tendencias, acuñados como coolhunters.

LA POLÍTICA DE ACTUACIÓN DE LA MODA INFANTIL. PLATAFORMAS, COMERCIOS Y DISEÑADORES

La infancia es un pilar fundamental de protección en todos los campos profesionales, en la industria de la moda, la infancia es una fuente esencial de inspiración para muchos diseñadores y de ingresos para muchas empresas que fabrican y exportan sus productos para la necesidad de los más pequeños.

La industria infantil ha crecido en los últimos años de crisis en nuestro país, alcanzando cuotas y cifras que se posicionan como uno de los países más referenciales en toda Europa.

En España la moda infantil cada vez ocupa un espacio más relevante en el panorama internacional. Valencia ha sido el último espacio que ha acogido la moda infantil entre sus pasarelas. La pasada edición  Fashion Week de Valencia (VFW) cerró sus jornadas con tres desfiles para niños, con objetivos solidarios, presidios por  Hortensia Maeso, Antonio García y Amparo Chordá.

La edición de VFW se ha desarrollado en Valencia en la Ciudad de las Artes y las Ciencias. El Ágora ha acogido a más de trescientas personas todas ellas admiradoras de la moda y el diseño.

VFW reúne cada año a más de 20 diseñadores, la Fashion Week se está posicionando como uno de los puntos relevantes de la moda en nuestro país.

Organizadores, Hortensia Maeso y Alex Vidal, en la última edición de la Fashión Week de Valencia junto a los pequeños modelos infantiles

Ningún otro año, la organización, ha acogido ningún tipo de diseñador infantil o nada relacionado con la moda infantil. Hortensia Maeso fue invitada años atrás para que diseñara en alguna edición, el único requisito que le exigían era que diseñara una línea para mujer, y no de niños. Maeso no participó porque su principal objetivo y función es dedicarse a la moda infantil.

Los organizadores de VFW, años atrás, se negaron que los niños tuvieran un espacio en las pasarelas ya que no creían que fuera necesaria la participación de los menores. Los motivos eran muy variados, la organización afirmaba que no era preciso presentar ningún producto infantil porque existían ya otras plataformas que reunía todos los requisitos. FIMI es una de las plataformas organizadoras de moda y productos infantiles de la Comunidad Valenciana que reúne a más de 200 patrocinadores nacionales e internacionales cada año, uno de los motivos por lo que la pasarela valenciana no acogió moda para niños. “La plataforma era únicamente para mujer y hombre. Este año se me concedió la oportunidad de desfilar porque organizó un desfile benéfico en un día estudiado para este tipo de actos solidarios. Ha sido una iniciativa de la semana de la moda, junto con otros proyectos que se han realizado de forma paralela”, aclara Hortensia Maeso. 

Una de las plataformas que se encarga de potenciar el trabajo de muchos diseñadores infantiles en la Comunidad Valenciana y en toda España es ASEPRI.

ASEPRI (Asociación Española de Productos para la Infancia) es una de las plataformas promotoras de muchos diseñadores y marcas en nuestro país.

Yolanda Aguirre, responsable de comunicación y atención al cliente asociado, explica las labores fundamentales que desarrolla ASEPRI. “La organización se constituye para representar y asesorar a las marcas y empresas españolas de productos infantiles. Actualmente, está integrada por 190 empresas y 300 marcas, principalmente de moda infantil y puericultura, que trabajan juntas y con el apoyo de las instituciones, para emprender proyectos de futuro y para superar los nuevos desafíos del mercado”. 

Logo de la organización